• Dr. Annette Doms

Tempo. Spirito. Arte.

Kunst Wiyu Wahono with projection of datatron Ryoji IkedaArt Collection. Le nuove tecnologie stanno rivoluzionando l'arte. La digitalizzazione, la realtà virtuale e la realtà aumentata permettono nuove forme di espressione. E aprire nuovi mondi ai collezionisti. L'imprenditore indonesiano Wiyu Wahono è uno dei più rinomati collezionisti d'arte del mondo che riflette lo spirito dei tempi. Come funziona? E quali sfide devono affrontare i collezionisti nel processo?

Se fossi stato un collezionista negli anni '30 e avessi capito quanto sarebbe diventato influente Walter Benjamin, avrei comprato fotografie di Man Ray e László Moholy-Nagy", riflette l'imprenditore indonesiano Wiyu Wahono. "Se fossi stato un collezionista negli anni '60 e avessi saputo quanto sarebbe diventato influente Marshall McLuhan, avrei comprato opere di Wolf Vostell e Nam June Paik. Vivendo all'alba del XXI secolo, dovrei guardare a pensatori contemporanei rilevanti come Jean Baudrillard e chiedermi: come posso modellare la mia collezione in modo che la sua filosofia superi la prova del tempo attraverso l'espressione artistica?"

L'imprenditore indonesiano Wiyu Wahono cerca di preservare lo zeitgeist attuale per le generazioni future attraverso il linguaggio dell'arte. La sua collezione comprende opere di bioarte, light art, sound art, performance art, scanografia, installazioni audiovisive e arte digitale. Si inserisce così nella tradizione di collezionisti come Peggy Guggenheim, che, contro ogni norma, ha messo insieme una delle più influenti collezioni di arte moderna, o Ingvild Goetz, la cui attenzione è sempre stata rivolta a forme d'arte sconosciute, inaccessibili e spesso difficili come la media art contemporanea. Pochi collezionisti hanno il coraggio di acquistare oggetti che nessuno capisce ancora bene.

Anche nell'era moderna, molti capolavori non sono stati riconosciuti come tali a causa della loro novità. L'arte che è emersa verso la fine del XIX secolo sotto le condizioni delle nuove tecnologie e visioni del mondo è stata inizialmente vituperata come "impressionista" perché non rispettava le regole e le leggi stabilite dell'arte. Oggi, tuttavia, l'impressionismo è considerato il punto di partenza della pittura moderna.

Nel XXI secolo, le nuove tecnologie non sono più strumenti passivi della pratica artistica. Nella maggior parte dei casi, le opere basate sulla tecnologia combinano vari elementi, come un'installazione fisica con una componente sonora e software interattiva. Le forme di espressione includono installazioni, film, video o animazioni, internet art, software art, arte della realtà virtuale, arte della realtà aumentata, arte dell'intelligenza artificiale o robotica. Ancora più stratificati sono i temi digitali come l'attivismo, l'hacktivismo, la telerobotica, le visualizzazioni di dati, gli interattivi pubblici, i social media o il web.

Collezionare quest'arte significa impegnarsi con lo zeitgeist della propria epoca, rompere con la tradizione e abbracciare il futuro. Come dimostra la storia del collezionismo, sono soprattutto gli imprenditori o gli scienziati a trovare il coraggio del cambiamento e ad acquisire un'arte completamente nuova.

Nella collezione di Wiyu Wahono, le opere basate sulla tecnologia rappresentano circa il 30%. "La mia conoscenza tecnica probabilmente mi rende più facile capire come funziona un'opera d'arte basata sulla tecnologia", dice l'ingegnere con un dottorato in tecnologia delle materie plastiche. In un'intervista con Annette Doms, parla della sua esperienza con l'arte che rompe un terreno completamente nuovo e quindi sfida il confronto.

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ricchezza privata: Wiyu, come ti avvicini al tema dell'arte zeitgeist?

Wiyu Wahono: Colleziono arte con la domanda di ciò che una persona tra 100 anni potrebbe definire il nostro attuale Zeitgeist. Sfortunatamente, questo può essere interpretato solo retrospettivamente. Guardando indietro, ora sappiamo che lo zeitgeist dei secoli XV-XVI era l'umanesimo, che coincide con l'invenzione della prospettiva centrale nell'arte. Pertanto, i dipinti storicamente significativi di questo periodo sono i dipinti rinascimentali.

pw: Quale contenuto pensa che corrisponda al nostro tempo?

WW: Credo che i temi più importanti si trovino nelle aree della digitalizzazione, della globalizzazione, del cambiamento climatico e dell'ambiente, e dell'urbanizzazione. Determinano le nostre condizioni generali di vita - non solo nell'arte - e sono rilevanti per noi oggi, ma anche per il futuro. Vedo il collezionismo d'arte nel contesto di questi temi come un'esperienza intellettuale che va ben oltre quella sensoriale.

pw: Come percepisce personalmente la nostra realtà?

WW: La realtà sta diventando sempre più confusa e allarmante. Viviamo in un'epoca in cui la nostra capacità di distinguere la realtà dalla finzione sta diminuendo. Qualunque cosa leggiamo e vediamo in televisione o su internet è in gran parte guidata dai media e costruita artificialmente per adattarsi alle nostre visioni del mondo. Ecco perché dobbiamo essere molto critici su ciò che leggiamo e vediamo.

Le opere d'arte che hanno a che fare con la realtà virtuale e aumentata mostrano quanto facilmente la percezione della realtà può essere manipolata. Il lavoro di Mark Farid "Seeing I" esplora gli effetti psicologici della percezione della realtà indossando un auricolare VR per sette giorni come un artista e sperimentando la vita di una persona diversa ogni giorno. Più ci muoviamo nell'era dell'informazione, meno tangibile diventa la nostra realtà.

pw: Questi sviluppi tecnologici cambieranno anche la percezione dell'arte?

WW: Molti artisti hanno già creato un regno che non è più umano. L'arte basata sui sensi sarà quindi presto obsoleta. L'estetica ha bisogno di nuove descrizioni per comprendere la pratica artistica nell'era della new media art.

pw: Le tecnologie si stanno sviluppando rapidamente come mai prima d'ora. Come collezionista di media art, come affronta la sfida che le idee innovative di oggi potrebbero essere vecchie domani, non interessanti per nessuno?

WW: Naturalmente, le opere d'arte basate sulla tecnologia sono accattivanti a causa delle tecnologie avanzate. Tuttavia, sappiamo tutti che prima o poi diventeranno il nostro nuovo standard. Se un'opera d'arte mediatica attira l'attenzione degli spettatori solo attraverso la tecnologia, un giorno perderà il suo effetto magico. Pertanto, preferisco collezionare arte mediatica che è nel contesto dell'ambiente, dell'urbanizzazione o della globalizzazione. "Re-Animated" di Jakob Kudsk Steensen, per esempio, è un'opera d'arte VR che riguarda un uccello estinto alle Hawaii. Il contesto dell'ambiente manterrà quest'opera d'arte interessante per molto tempo.

pw: Come riuscite a identificare presto le opere d'arte nuove?

WW: Credo nel kaizen, l'atto di migliorare le cose brutte, altrimenti non sarei così ansioso di esplorare nuove opere d'arte nelle loro prime fasi. Fonti d'ispirazione sono vari libri sulla teoria dell'arte contemporanea. Alcuni dei miei autori preferiti sono Arthur Danto, Terry Smith, Julian Stallabrass, Alexander Dumbadze e Suzanne Hudson. Attraverso i loro libri, sono stato in grado di ottenere lentamente un'immagine più chiara del perché l'arte contemporanea è nata e cosa significa oggi "contemporaneo". Con questa comprensione, sono stato in grado di sentire l'atmosfera della buona arte contemporanea in una mostra. I pensieri di questi autori e la mia esperienza mi permettono di riconoscere la qualità dell'arte innovativa.

pw: Dove trovi l'arte digitale?

WW: Le fiere d'arte tradizionali non sono il posto per me. Ma mi piace andare a documenta o alla Biennale di Venezia. Il migliore è Ars Electronica a Linz. Il festival è una piattaforma unica a livello internazionale per l'arte digitale e la cultura dei media dal 1979. Ma mi piace anche visitare luoghi insoliti noti per l'arte innovativa, come la piccola città texana di Marfa, l'isola di Naoshima in Giappone, o il MONA - il Museum of Old and New Art in Tasmania, Australia - perché mi offrono un'esperienza unica e corrispondono alla mia intensa passione per l'arte. Mi piacerebbe anche sperimentare l'opera di Michael Heizer "Double Negative" (1969) nel deserto del Nevada, USA, che è classificata come Land Art. I luoghi non facilmente accessibili mi affascinano molto.

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pw: Dall'invenzione dell'iPhone, la nostra vita è diventata sempre più digitale. Ma perché l'arte digitale è ancora un prodotto di nicchia?

WW: Prima di tutto, affrontare la questione di cosa sia o possa essere l'arte oggi non è più contemporaneo. Per esempio, leggere libri d'arte sull'arte del XX secolo può portare a una ricerca fuorviante di una risposta alla domanda obsoleta: "Questa è arte?". Spesso la finalità dell'arte fine e applicata come l'artigianato o il design del prodotto influenza il nostro modo di pensare all'arte. Questo può portare i nuovi collezionisti d'arte a cercare opere d'arte visivamente attraenti, come la forma significativa - la combinazione di linee, colori e texture - che toccano la loro sensibilità estetica. La nozione di "forma sopra il contenuto" domina il giudizio su ciò che è "buona" arte. Collezionare l'arte digitale del nostro tempo, d'altra parte, richiede criteri di giudizio completamente diversi, come la specificità di un mezzo, l'importanza del contesto, o il messaggio dell'opera d'arte al di là dell'estetica. È difficile "vedere" il mondo digitale con cui siamo così fusi - un pesce nell'acqua non si chiede cosa sia l'acqua.

pw: Quali sfide attendono un collezionista di media art?

WW: Collezionare e mantenere la media art è molto impegnativo. Per esempio, ci sono costi aggiuntivi per le attrezzature e le installazioni. Ma per me è sia una gioia che un'avventura. Per esempio, "data.tron" di Ryoji Ikeda - un'installazione audiovisiva che permette allo spettatore di sperimentare l'universo infinito dei dati secondo principi strettamente matematici - richiede un proiettore specifico che era difficile da ottenere e anche piuttosto costoso. L'immagine deve essere proiettata molto nitidamente per mostrare i piccoli numeri. Per la video installazione di Ming Wong "Life of Imitation", ho dovuto persino cambiare l'architettura del mio ufficio per garantire una stanza buia.

Ho anche un pezzo di bio-arte dell'artista brasiliano-americano Eduardo Kac nella mia collezione. Usando il proprio DNA, ha creato un fiore geneticamente modificato. Le vene rosso scuro del fiore simboleggiano le vene di Kac. I petali imitano il colore della pelle di Kac - un riferimento al suo patrimonio brasiliano. Tenere in vita un fiore nel mio edificio per uffici è una sfida, specialmente per qualcuno che non possiede piante o ha il pollice verde.

Un'altra delle mie opere di bio-arte consiste in 265 boccette di vetro piene di batteri viventi che imitano un'immagine presa con una macchina fotografica. È un'opera unica e meravigliosa. Ma il lavoro deve essere pulito una o due volte all'anno. Che poi richiede due giorni e due persone! E credetemi, rimuovere manualmente più di 1000 piccole viti è piuttosto fastidioso.

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// Sintesi granulare.

"L'opera 'Model 5' del duo di artisti Granular Synthesis - Kurt Hentschlaeger & Ulf Langheinrich - è stata creata nel 1994, quando la videocamera digitale era per la prima volta disponibile al pubblico", spiega Wiyu Wahono. "I primi camcorder erano analogici e la capacità di elaborazione dei processi non era buona rispetto ad oggi. Il duo di artisti è stato il primo ad adottare questa tecnologia. Aveva chiesto a un ballerino giapponese di eseguire un semplice movimento della testa, che ha registrato con la videocamera. Per la prima volta nella storia, le immagini in movimento sono state registrate come "file digitale". Il file è stato tagliato in piccoli segmenti - chiamati grani - e poi riassemblato in un continuum. Durante questo periodo, il processo di editing video era qualcosa di completamente nuovo ed eccitante. Gli artisti hanno esplorato come l'elaborazione di un file digitale con questo nuovo mezzo possa "creare" emozioni - fatica, terrore, stress, sollievo.

Il volto giapponese è una metafora del numero crescente di immigrati che sono apparsi in ogni città dal 1989 sulla scia della globalizzazione, ma soprattutto negli anni '90. Credo che la natura umana abbia paura dell'ignoto, e attraverso i suoni elaborati in grani, questi estranei spaventosi, simili a macchine, sembrano parlare una lingua incomprensibile. Ho deciso di acquisire quest'opera seminale perché riflette sia il contesto della digitalizzazione che della globalizzazione".

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// 0 gradi.

L'opera "0 degree" di Deni Ramdani riguarda la questione dell'urbanizzazione. Negli ultimi decenni, c'è stato un aumento senza precedenti del numero di megalopoli, poiché sempre più persone lasciano le loro case rurali per trasferirsi nelle città. La migrazione verso città densamente popolate crea molti problemi che affrontiamo ancora oggi. Ironicamente, molti che vivono circondati da milioni di persone si sentono più soli che mai. Questo è un problema serio e paradossale che continua ad essere sottovalutato.

L'opera di Ramdani ricorda il suo villaggio - un tempo un luogo idilliaco con alberi ombrosi, corsi d'acqua limpidi e stagni per i pesci, piccole foreste e colline, prima che fosse massicciamente alterato da costruttori stranieri.

Il suo lavoro mostra un sacchetto di plastica pieno d'acqua e un pesce rosso. Il sacchetto ha dei piccoli fori da cui l'acqua fuoriesce lentamente. La consapevolezza che questo pesce presto soffocherà e morirà mette lo spettatore a disagio. Per me, quest'opera è una metafora della condizione umana nelle megalopoli le cui risorse saranno presto esaurite. Il nostro atteggiamento negligente nei confronti dell'ambiente persiste in molti paesi del mondo. Se non tappiamo tutti i buchi per impedire la fuoriuscita dell'acqua, saremo tutti pesci in un sacco, che muoiono lentamente".

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// Gettone non fungibile (NFT).

A marzo, un'asta di un'opera d'arte digitale dell'artista statunitense Beeple alla casa d'aste Christie's ha raggiunto i 69 milioni di dollari. La vendita ha messo Beeple tra i primi tre artisti viventi di maggior valore - dietro Jeff Koons e David Hockney. L'opera d'arte è stata rilasciata con un certificato digitale di autenticità, un "token non fungibile" (NFT) che può essere autenticato, certificato e identificato a prova di manomissione assoluta utilizzando la blockchain. Gli NFT sono cripto-collezionabili unici e un sottoinsieme dell'arte digitale. La tecnologia Blockchain viene così associata all'arte oltre il mondo della finanza e garantisce una maggiore trasparenza e democratizzazione del mercato dell'arte. Il suo valore è attualmente determinato dall'enorme domanda. Il visionario Wiyu Wahono ha già comprato opere d'arte cripto qualche mese fa.

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Autore: Dr. Annette Doms

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