• Dr. Annette Doms

C'est l'heure. Esprit. Art.

Kunst Wiyu Wahono with projection of datatron Ryoji IkedaCollection d'art. Les nouvelles technologies révolutionnent l'art. La numérisation, la réalité virtuelle et la réalité augmentée permettent de nouvelles formes d'expression. Et ouvrir de nouveaux mondes pour les collectionneurs. L'entrepreneur indonésien Wiyu Wahono est l'un des collectionneurs d'art les plus réputés au monde, qui reflète l'esprit du temps. Comment cela fonctionne-t-il ? Et quels sont les défis auxquels les collectionneurs doivent faire face dans ce processus ?

Si j'avais été un collectionneur dans les années 1930 et que j'avais réalisé l'influence qu'allait avoir Walter Benjamin, j'aurais acheté des photographies de Man Ray et de László Moholy-Nagy", réfléchit l'entrepreneur indonésien Wiyu Wahono. "Si j'avais été collectionneur dans les années 1960 et si j'avais su à quel point Marshall McLuhan allait devenir influent, j'aurais acheté des œuvres de Wolf Vostell et de Nam June Paik. Vivant à l'aube du 21e siècle, je devrais me tourner vers des penseurs contemporains pertinents comme Jean Baudrillard et me demander : comment puis-je modeler ma collection pour que sa philosophie résiste à l'épreuve du temps grâce à l'expression artistique ?"

L'entrepreneur indonésien Wiyu Wahono cherche à préserver l'esprit du temps pour les générations futures grâce au langage de l'art. Sa collection comprend des œuvres de bioart, d'art lumineux, d'art sonore, d'art de la performance, de scanographie, d'installations audiovisuelles et d'art numérique. Il s'inscrit ainsi dans la tradition de collectionneurs tels que Peggy Guggenheim, qui, contre toute norme, a rassemblé l'une des collections d'art moderne les plus influentes, ou Ingvild Goetz, qui s'est toujours concentrée sur des formes d'art inconnues, inaccessibles et souvent difficiles à appréhender, comme l'art médiatique contemporain. Peu de collectionneurs ont le courage d'acquérir des objets que personne ne comprend encore tout à fait.

Même à l'époque moderne, de nombreux chefs-d'œuvre n'étaient pas reconnus comme tels en raison de leur nouveauté. L'art qui a émergé vers la fin du 19e siècle dans les conditions des nouvelles technologies et des nouvelles visions du monde a d'abord été qualifié d'"impressionniste" parce qu'il ne tenait pas compte des règles et des lois établies de l'art. Aujourd'hui, cependant, l'impressionnisme est considéré comme le point de départ de la peinture moderne.

Au XXIe siècle, les nouvelles technologies ne sont plus des outils passifs de la pratique artistique. Dans la plupart des cas, les œuvres basées sur la technologie combinent plusieurs éléments, comme une installation physique avec une composante sonore et logicielle interactive. Les formes d'expression comprennent les installations, les films, les vidéos ou les animations, l'art sur Internet, l'art logiciel, l'art de la réalité virtuelle, l'art de la réalité augmentée, l'art de l'intelligence artificielle ou la robotique. Les thèmes numériques tels que l'activisme, le hacktivisme, la télérobotique, les visualisations de données, les interactifs publics, les médias sociaux ou le web sont encore plus complexes.

Collectionner cet art, c'est s'engager dans l'esprit de son époque, rompre avec la tradition et embrasser l'avenir. Comme le montre l'histoire des collections, ce sont surtout les entrepreneurs ou les scientifiques qui ont le courage du changement et acquièrent des œuvres totalement nouvelles.

Dans la collection de Wiyu Wahono, les œuvres basées sur la technologie représentent environ 30 %. "Mes connaissances techniques me permettent probablement de comprendre plus facilement le fonctionnement d'une œuvre d'art basée sur la technologie", explique l'ingénieur titulaire d'un doctorat en technologie des plastiques. Dans un entretien avec Annette Doms, il parle de son expérience de l'art qui innove complètement et défie donc toute comparaison.

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private wealth : Wiyu, comment abordez-vous le sujet de l'art zeitgeist ?

Wiyu Wahono : Je collectionne des œuvres d'art en me demandant ce qu'une personne dans 100 ans pourrait définir comme étant l'air du temps. Malheureusement, cela ne peut être interprété que rétrospectivement. Avec le recul, nous savons maintenant que le zeitgeist des XVe et XVIe siècles était l'humanisme, ce qui coïncide avec l'invention de la perspective centrale dans l'art. Par conséquent, les peintures historiquement significatives de cette période sont les peintures de la Renaissance.

pw : Quel contenu correspond, selon vous, à notre époque ?

WW : Je pense que les thèmes les plus importants se trouvent dans les domaines de la numérisation, de la mondialisation, du changement climatique et de l'environnement, et de l'urbanisation. Ils déterminent nos conditions de vie générales - et pas seulement dans l'art - et sont pertinents pour nous aujourd'hui, mais aussi pour l'avenir. Je considère la collection d'art dans le contexte de ces questions comme une expérience intellectuelle qui va bien au-delà d'une expérience sensorielle.

pw : Comment percevez-vous personnellement notre réalité ?

WW : La réalité devient de plus en plus floue et alarmante. Nous vivons à une époque où notre capacité à distinguer la réalité de la fiction diminue. Ce que nous lisons et voyons à la télévision ou sur l'internet est en grande partie déterminé par les médias et construit artificiellement pour correspondre à notre vision du monde. C'est pourquoi nous devons être très critiques vis-à-vis de ce que nous lisons et voyons.

Les œuvres d'art qui traitent de la réalité virtuelle et augmentée montrent avec quelle facilité la perception de la réalité peut être manipulée. L'œuvre "Seeing I" de Mark Farid explore les effets psychologiques de la perception de la réalité en portant un casque VR pendant sept jours et en faisant l'expérience de la vie d'une personne différente chaque jour. Plus nous avançons dans l'ère de l'information, moins notre réalité devient tangible.

pw : Ces évolutions technologiques vont-elles également modifier la perception de l'art ?

WW : De nombreux artistes ont déjà créé un royaume qui n'est plus humain. L'art basé sur les sens sera donc bientôt obsolète. L'esthétique a besoin de nouvelles descriptions pour comprendre la pratique artistique à l'ère des nouveaux médias.

pw : Les technologies se développent plus rapidement que jamais. En tant que collectionneur d'art médiatique, comment faites-vous face au fait que les idées révolutionnaires d'aujourd'hui pourraient être dépassées demain et n'intéresser personne ?

WW : Bien sûr, les œuvres d'art basées sur la technologie sont captivantes en raison des technologies avancées. Cependant, nous savons tous que, tôt ou tard, ils deviendront notre nouvelle norme. Si une œuvre d'art médiatique attire l'attention des spectateurs uniquement grâce à la technologie, elle perdra un jour son effet magique. Je préfère donc collectionner les arts médiatiques qui s'inscrivent dans le contexte de l'environnement, de l'urbanisation ou de la mondialisation. "Re-Animated" de Jakob Kudsk Steensen, par exemple, est une œuvre d'art RV qui traite d'un oiseau disparu à Hawaï. Le contexte de l'environnement permettra à cette œuvre d'art de rester intéressante pendant longtemps.

pw : Comment parvenez-vous à identifier rapidement les œuvres d'art novatrices ?

WW : Je crois au kaizen, l'acte d'améliorer les mauvaises choses, sinon je ne serais pas aussi enthousiaste à l'idée d'explorer des œuvres d'art nouvelles à leur stade initial. Les sources d'inspiration sont divers livres sur la théorie de l'art contemporain. Certains de mes auteurs préférés sont Arthur Danto, Terry Smith, Julian Stallabrass, Alexander Dumbadze et Suzanne Hudson. Grâce à leurs livres, j'ai pu peu à peu me faire une idée plus précise de la raison d'être de l'art contemporain et de ce que signifie réellement le terme "contemporain" aujourd'hui. Grâce à cette compréhension, j'ai pu ressentir la vibration d'un bon art contemporain dans une exposition. Les réflexions de ces auteurs et mon expérience me permettent de reconnaître la qualité d'un art novateur.

pw : Où trouvez-vous l'art numérique ?

WW : Les foires d'art traditionnelles ne sont pas le lieu pour moi. Mais j'aime aller à la Documenta ou à la Biennale de Venise. Le meilleur est Ars Electronica à Linz. Depuis 1979, le festival est une plateforme internationale unique pour l'art numérique et la culture médiatique. Mais j'aime aussi visiter des lieux insolites connus pour leur art novateur, comme la petite ville texane de Marfa, l'île de Naoshima au Japon ou le MONA - le musée des arts anciens et nouveaux de Tasmanie, en Australie - car ils m'offrent une expérience unique et correspondent à ma passion intense pour l'art. J'aimerais aussi découvrir l'œuvre de Michael Heizer "Double Negative" (1969) dans le désert du Nevada, aux États-Unis, qui est classée dans le Land Art. Les endroits qui ne sont pas facilement accessibles me fascinent beaucoup.

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pw : Depuis l'invention de l'iPhone, nos vies sont devenues de plus en plus numériques. Mais pourquoi l'art numérique reste-t-il un produit de niche ?

WW : Tout d'abord, traiter de la question de ce qu'est ou peut être l'art aujourd'hui n'est plus contemporain. Par exemple, la lecture de livres d'art sur l'art du 20e siècle peut conduire à une recherche erronée d'une réponse à la question dépassée "Est-ce de l'art ?". Souvent, la finalité des beaux-arts et des arts appliqués, tels que l'artisanat ou la conception de produits, influence notre façon de concevoir l'art. Cela peut conduire les nouveaux collectionneurs d'art à rechercher des œuvres visuellement attrayantes, comme une forme significative - la combinaison de lignes, de couleurs et de textures - qui touche leur sensibilité esthétique. La notion de "forme sur le contenu" domine le jugement de ce qui est un "bon" art. En revanche, collectionner l'art numérique de notre époque requiert des critères de jugement totalement différents, tels que la spécificité d'un médium, l'importance du contexte ou le message de l'œuvre d'art au-delà de l'esthétique. Il est difficile de "voir" le monde numérique avec lequel nous sommes si fusionnés - un poisson dans l'eau ne se demande pas ce qu'est l'eau.

pw : Quels défis attendent un collectionneur d'art médiatique ?

WW : Collectionner et entretenir les arts médiatiques est un véritable défi. Par exemple, il existe des coûts supplémentaires pour les équipements et les installations. Mais pour moi, c'est à la fois une joie et une aventure. Par exemple, le "data.tron" de Ryoji Ikeda - une installation audiovisuelle qui permet au spectateur d'expérimenter l'univers infini des données selon des principes strictement mathématiques - nécessite un projecteur spécifique, difficile à obtenir et assez coûteux. L'image doit être projetée de manière très nette pour faire apparaître les minuscules chiffres. Pour l'installation vidéo "Life of Imitation" de Ming Wong, j'ai même dû modifier l'architecture de mon bureau pour garantir une pièce sombre.

J'ai également une œuvre d'art biologique de l'artiste brésilien-américain Eduardo Kac dans ma collection. En utilisant son propre ADN, il a créé une fleur génétiquement modifiée. Les veines rouge foncé de la fleur symbolisent les propres veines de Kac. Les pétales imitent la couleur de la peau de Kac - une référence à son héritage brésilien. Garder une fleur en vie dans mon immeuble de bureaux est un défi, surtout pour quelqu'un qui ne possède pas de plantes ou n'a pas la main verte.

Une autre de mes œuvres de bio-art consiste en 265 flacons de verre remplis de bactéries vivantes qui imitent une image prise avec un appareil photo. C'est un travail unique et merveilleux. Mais l'ouvrage doit être nettoyé une ou deux fois par an. Cela prend alors deux jours et deux personnes ! Et croyez-moi, enlever manuellement plus de 1000 petites vis est assez ennuyeux. ®

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// Synthèse granulaire.

"L'œuvre 'Model 5' du duo d'artistes Granular Synthesis - Kurt Hentschlaeger & Ulf Langheinrich - a été créée en 1994, lorsque le caméscope numérique était disponible pour la première fois au public", explique Wiyu Wahono. "Les premiers caméscopes étaient analogiques, et la capacité de traitement des processus n'était pas bonne par rapport à aujourd'hui. Le duo d'artistes a été le premier à adopter cette technologie. Il avait demandé à un danseur japonais d'effectuer un simple mouvement de tête, qu'il a enregistré avec le caméscope. Pour la première fois dans l'histoire, des images en mouvement ont été enregistrées sous forme de "fichier numérique". Le fichier a été découpé en petits segments - appelés grains - puis réassemblé en un continuum. À cette époque, le processus de montage vidéo était quelque chose de complètement nouveau et de passionnant. Les artistes ont exploré comment le traitement d'un fichier numérique à l'aide de ce nouveau support pouvait "créer" des émotions - fatigue, terreur, stress, soulagement.

Le visage japonais est une métaphore du nombre croissant d'immigrants qui sont apparus dans chaque ville depuis 1989 dans le sillage de la mondialisation, mais surtout dans les années 1990. Je crois que la nature humaine a peur de l'inconnu, et à travers les sons transformés en grains, ces étrangers effrayants, semblables à des machines, semblent parler un langage incompréhensible. J'ai décidé d'acquérir cette œuvre séminale parce qu'elle reflète à la fois le contexte de la numérisation et de la mondialisation."

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// 0 degré.

"L'œuvre ,0 degré' de Deni Ramdani concerne la question de l'urbanisation. Au cours des dernières décennies, on a assisté à une augmentation sans précédent du nombre de mégapoles, car de plus en plus de personnes quittent leur foyer rural pour s'installer en ville. La migration vers les villes densément peuplées crée de nombreux problèmes auxquels nous sommes encore confrontés aujourd'hui. Ironiquement, beaucoup de ceux qui vivent entourés de millions de personnes se sentent plus seuls que jamais. Il s'agit d'un problème grave et paradoxal qui continue d'être sous-estimé.

L'œuvre de Ramdani rappelle son propre village - un endroit autrefois idyllique avec des arbres ombragés, des cours d'eau clairs et des étangs à poissons, de petites forêts et des collines, avant qu'il ne soit massivement modifié par des promoteurs étrangers.

Son œuvre montre un sac en plastique rempli d'eau et un poisson rouge. Le sac est muni de petits trous par lesquels l'eau s'échappe lentement. La conscience que ce poisson va bientôt suffoquer et mourir met le spectateur mal à l'aise. Pour moi, cette œuvre est une métaphore de la condition humaine dans les mégapoles dont les ressources seront bientôt épuisées. Notre attitude négligente à l'égard de l'environnement persiste dans de nombreux pays du monde. Si nous ne bouchons pas tous les trous pour empêcher l'eau de fuir, nous serons tous des poissons dans un sac, mourant lentement."

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// Jeton non fongible (NFT).

En mars, une vente aux enchères d'une œuvre d'art numérique de l'artiste américain Beeple à la maison de vente Christie's a atteint 69 millions de dollars. La vente a placé Beeple dans le top 3 des artistes vivants les plus précieux, derrière Jeff Koons et David Hockney. L'œuvre d'art a été émise avec un certificat numérique d'authenticité, un "jeton non fongible" (NFT) qui peut être authentifié, certifié et identifié de manière totalement infalsifiable à l'aide de la blockchain. Les NFT sont des crypto-objets uniques et un sous-ensemble de l'art numérique. La technologie blockchain est ainsi associée à l'art au-delà du monde de la finance et assure une plus grande transparence et démocratisation du marché de l'art. Sa valeur est actuellement déterminée par l'énorme demande. Le visionnaire Wiyu Wahono a déjà acheté des œuvres d'art en cryptomonnaie il y a quelques mois.

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Auteur : Dr. Annette Doms

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