• Dr. Annette Doms

La hora. Espíritu. Arte.

Kunst Wiyu Wahono with projection of datatron Ryoji IkedaColección de Arte. Las nuevas tecnologías están revolucionando el arte. La digitalización, la realidad virtual y la realidad aumentada permiten nuevas formas de expresión. Y abrir nuevos mundos para los coleccionistas. El empresario indonesio Wiyu Wahono es uno de los más reputados coleccionistas de arte que refleja el espíritu de la época. ¿Cómo funciona eso? ¿Y qué retos tienen que afrontar los coleccionistas en el proceso?

Si hubiera sido coleccionista en los años 30 y me hubiera dado cuenta de la influencia que tendría Walter Benjamin, habría comprado fotografías de Man Ray y László Moholy-Nagy", reflexiona el empresario indonesio Wiyu Wahono. "Si hubiera sido coleccionista en los años 60 y supiera lo influyente que sería Marshall McLuhan, habría comprado obras de Wolf Vostell y Nam June Paik. Viviendo en los albores del siglo XXI, debería mirar a pensadores contemporáneos relevantes como Jean Baudrillard y preguntarme: ¿cómo puedo modelar mi colección para que su filosofía resista la prueba del tiempo a través de la expresión artística?"

El empresario indonesio Wiyu Wahono trata de preservar el zeitgeist actual para las generaciones futuras a través del lenguaje del arte. Su colección incluye obras de bioarte, arte lumínico, arte sonoro hasta arte de performance, escanografía, instalaciones audiovisuales y arte digital. Se inscribe así en la tradición de coleccionistas como Peggy Guggenheim, que, en contra de toda norma, reunió una de las colecciones más influyentes de arte moderno, o Ingvild Goetz, cuyo objetivo principal ha sido siempre las formas de arte desconocidas, inaccesibles y a menudo difíciles, como el arte mediático contemporáneo. Pocos coleccionistas se atreven a adquirir objetos que todavía nadie entiende.

Incluso en la era moderna, muchas obras maestras no fueron reconocidas como tales debido a su novedad. El arte que surgió a finales del siglo XIX bajo las condiciones de las nuevas tecnologías y visiones del mundo fue inicialmente denostado como "impresionista" porque despreciaba las reglas y leyes establecidas del arte. Sin embargo, hoy en día el impresionismo se considera el punto de partida de la pintura moderna.

En el siglo XXI, las nuevas tecnologías ya no son herramientas pasivas de la práctica artística. En la mayoría de los casos, las obras de base tecnológica combinan varios elementos, como una instalación física con un componente de sonido y software interactivo. Entre las formas de expresión se encuentran las instalaciones, las películas, los vídeos o las animaciones, el arte de Internet, el arte del software, el arte de la realidad virtual, el arte de la realidad aumentada, el arte de la inteligencia artificial o la robótica. Aún más polifacéticos son los temas digitales como el activismo, el hacktivismo, la telerrobótica, las visualizaciones de datos, los interactivos públicos, los medios sociales o la web.

Coleccionar este arte es comprometerse con el zeitgeist de su época, romper con la tradición y abrazar el futuro. Como muestra la historia del coleccionismo, son sobre todo los empresarios o los científicos los que se atreven a cambiar y a adquirir un arte completamente nuevo.

En la colección de Wiyu Wahono, las obras basadas en la tecnología representan alrededor del 30%. "Mis conocimientos técnicos probablemente me facilitan la comprensión del funcionamiento de una obra de arte basada en la tecnología", dice este ingeniero doctorado en tecnología de plásticos. En una entrevista con Annette Doms, habla de su experiencia con un arte que abre nuevos caminos y, por tanto, desafía la comparación.

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private wealth: Wiyu, ¿cómo abordas el tema del arte zeitgeist?

Wiyu Wahono: Colecciono arte con la pregunta de qué podría definir una persona dentro de 100 años como nuestro zeitgeist actual. Por desgracia, esto sólo puede interpretarse a posteriori. Si echamos la vista atrás, sabemos que el zeitgeist de los siglos XV-XVI fue el humanismo, que coincide con la invención de la perspectiva central en el arte. Por lo tanto, las pinturas históricamente significativas de este periodo son las pinturas del Renacimiento.

pw: ¿Qué contenido cree que corresponde a nuestra época?

WW: Creo que los temas más importantes se encuentran en los ámbitos de la digitalización, la globalización, el cambio climático y el medio ambiente, y la urbanización. Determinan nuestras condiciones generales de vida -no sólo en el arte- y son relevantes para nosotros hoy, pero también llegan al futuro. Considero que coleccionar arte en el contexto de estos temas es una experiencia intelectual que va mucho más allá de lo sensorial.

pw: ¿Cómo percibe personalmente nuestra realidad?

WW: La realidad es cada vez más borrosa y alarmante. Vivimos en una época en la que nuestra capacidad para distinguir la realidad de la ficción está disminuyendo. Todo lo que leemos y vemos en la televisión o en Internet está en gran medida impulsado por los medios de comunicación y construido artificialmente para que se ajuste a nuestra visión del mundo. Por eso tenemos que ser muy críticos con lo que leemos y vemos.

Las obras de arte que tratan de la realidad virtual y aumentada muestran la facilidad con la que se puede manipular la percepción de la realidad. La obra de Mark Farid "Seeing I" explora los efectos psicológicos de la percepción de la realidad llevando un casco de realidad virtual durante siete días como un artista y experimentando la vida de una persona diferente cada día. Cuanto más nos adentramos en la era de la información, menos tangible se vuelve nuestra realidad.

pw: ¿Cambiarán también estos avances tecnológicos la percepción del arte?

WW: Muchos artistas ya han creado un reino que ya no es humano. Por lo tanto, el arte basado en los sentidos quedará pronto obsoleto. La estética necesita nuevas descripciones para entender la práctica artística en la era del arte de los nuevos medios.

pw: Las tecnologías se están desarrollando rápidamente como nunca antes. Como coleccionista de arte de los medios de comunicación, ¿cómo afronta el reto de que las ideas innovadoras de hoy puedan ser anticuadas mañana y no interesen a nadie?

WW: Por supuesto, las obras de arte basadas en la tecnología son cautivadoras gracias a las tecnologías avanzadas. Sin embargo, todos sabemos que tarde o temprano se convertirán en nuestra nueva norma. Si una obra de arte mediática atrae la atención de los espectadores sólo a través de la tecnología, un día perderá su efecto mágico. Por lo tanto, prefiero coleccionar arte mediático que esté en el contexto del medio ambiente, la urbanización o la globalización. "Re-Animated" de Jakob Kudsk Steensen, por ejemplo, es una obra de arte de RV que trata de un pájaro extinto en Hawai. El contexto del entorno mantendrá esta obra de arte interesante durante mucho tiempo.

pw: ¿Cómo se las arregla para identificar pronto las obras de arte novedosas?

WW: Creo en el kaizen, el acto de mejorar las cosas malas; de lo contrario, no estaría tan ansioso por explorar obras de arte novedosas en sus primeras etapas. Las fuentes de inspiración son varios libros sobre teoría del arte contemporáneo. Algunos de mis autores favoritos son Arthur Danto, Terry Smith, Julian Stallabrass, Alexander Dumbadze y Suzanne Hudson. A través de sus libros, pude ir adquiriendo poco a poco una imagen más clara de por qué surgió el arte contemporáneo y qué significa realmente "contemporáneo" hoy en día. Con este entendimiento, pude sentir la vibración del buen arte contemporáneo en una exposición. Las reflexiones de estos autores y mi experiencia me permiten reconocer la calidad del arte innovador.

pw: ¿Dónde se encuentra el arte digital?

WW: Las ferias de arte tradicionales no son el lugar para mí. Pero me gusta ir a la documenta o a la Bienal de Venecia. El mejor es Ars Electronica en Linz. El festival ha sido una plataforma única a nivel internacional para el arte digital y la cultura de los medios de comunicación desde 1979. Pero también me gusta visitar lugares insólitos conocidos por su arte innovador, como la pequeña ciudad texana de Marfa, la isla de Naoshima en Japón o el MONA -el Museo de Arte Antiguo y Nuevo de Tasmania, Australia- porque me ofrecen una experiencia única y se ajustan a mi intensa pasión por el arte. También me gustaría conocer la obra de Michael Heizer "Double Negative" (1969) en el desierto de Nevada, EE.UU., que está clasificada como Land Art. Los lugares que no son fácilmente accesibles me fascinan mucho.

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pw: Desde la invención del iPhone, nuestras vidas son cada vez más digitales. Pero, ¿por qué el arte digital sigue siendo un producto de nicho?

WW: En primer lugar, abordar la cuestión de lo que es o puede ser el arte hoy ya no es contemporáneo. Por ejemplo, la lectura de libros de arte sobre el arte del siglo XX puede llevar a una búsqueda errónea de una respuesta a la anticuada pregunta: "¿Esto es arte?" A menudo, la finalidad de las bellas artes y las artes aplicadas, como la artesanía o el diseño de productos, influye en la forma en que pensamos sobre el arte. Esto puede llevar a los nuevos coleccionistas de arte a buscar obras visualmente atractivas, como la forma significativa -la combinación de líneas, colores y texturas- que toquen su sensibilidad estética. La noción de "forma sobre el contenido" domina el juicio de lo que es "buen" arte. En cambio, el coleccionismo de arte digital de nuestro tiempo requiere criterios de juicio totalmente diferentes, como la especificidad de un medio, la importancia del contexto o el mensaje de la obra más allá de lo estético. Es difícil "ver" el mundo digital con el que estamos tan fusionados: un pez en el agua no se pregunta qué es el agua.

pw: ¿Qué retos le esperan a un coleccionista de arte multimedia?

WW: Coleccionar y mantener el arte de los medios de comunicación es todo un reto. Por ejemplo, hay costes adicionales de equipamiento e instalaciones. Pero para mí es una alegría y una aventura. Por ejemplo, el "data.tron" de Ryoji Ikeda -una instalación audiovisual que permite al espectador experimentar el universo infinito de los datos según principios estrictamente matemáticos- requiere un proyector específico difícil de conseguir y también bastante caro. La imagen debe proyectarse con mucha nitidez para que se vean los pequeños números. Para la videoinstalación de Ming Wong "Life of Imitation", incluso tuve que cambiar la arquitectura de mi oficina para garantizar un cuarto oscuro.

También tengo en mi colección una pieza de bioarte del artista brasileño-estadounidense Eduardo Kac. Utilizando su propio ADN, creó una flor modificada genéticamente. Las venas rojo oscuro de la flor simbolizan las propias venas de Kac. Los pétalos imitan el color de la piel de Kac, una referencia a su herencia brasileña. Mantener una flor viva en mi edificio de oficinas es un reto, sobre todo para alguien que no tiene plantas ni un pulgar verde.

Otra de mis piezas de bioarte consiste en 265 frascos de cristal llenos de bacterias vivas que imitan una imagen tomada con una cámara. Es una obra única y maravillosa. Pero hay que limpiar la obra una o dos veces al año. Entonces, ¡se necesitan dos días y dos personas! Y créeme, quitar manualmente más de 1000 pequeños tornillos es bastante molesto. ®

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// Síntesis granular.

"La obra 'Model 5' del dúo de artistas Granular Synthesis -Kurt Hentschlaeger & Ulf Langheinrich- fue creada en 1994, cuando la videocámara digital estaba disponible por primera vez para el público", explica Wiyu Wahono. "Las primeras videocámaras eran analógicas y la capacidad de procesamiento de procesos no era buena en comparación con la actual. El dúo de artistas fue el primero en adoptar esta tecnología. Había pedido a un bailarín japonés que realizara un simple movimiento de cabeza, que grabó con la videocámara. Por primera vez en la historia, las imágenes en movimiento se grabaron como un "archivo digital". El archivo se cortó en pequeños segmentos -llamados granos- y luego se volvió a ensamblar en un continuo. Durante este tiempo, el proceso de edición de vídeo era algo completamente nuevo y emocionante. Los artistas exploraron cómo el procesamiento de un archivo digital con este nuevo medio podía "crear" emociones: fatiga, terror, estrés, alivio.

El rostro japonés es una metáfora del creciente número de inmigrantes que han aparecido en todas las ciudades desde 1989 a raíz de la globalización, pero especialmente en los años 90. Creo que la naturaleza humana tiene miedo a lo desconocido, y a través de los sonidos procesados en los granos, estos extraños aterradores como máquinas parecen hablar un lenguaje incomprensible. Decidí adquirir esta obra de arte seminal porque refleja tanto el contexto de la digitalización como el de la globalización".

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// 0 grado.

"La obra 'Grado 0' de Deni Ramdani se refiere al tema de la urbanización. En las últimas décadas se ha producido un aumento sin precedentes del número de megaciudades, ya que cada vez más personas abandonan sus hogares rurales para trasladarse a las ciudades. La migración a las ciudades densamente pobladas crea muchos problemas a los que todavía nos enfrentamos hoy en día. Irónicamente, muchos de los que viven rodeados de millones de personas se sienten más solos que nunca. Se trata de un problema grave y paradójico que se sigue subestimando.

La obra de Ramdani recuerda a su propio pueblo, un lugar antaño idílico, con árboles sombreados, vías fluviales claras y estanques de peces, pequeños bosques y colinas, antes de que fuera alterado masivamente por promotores extranjeros.

Su obra muestra una bolsa de plástico llena de agua y un pez de colores. La bolsa tiene pequeños agujeros por los que el agua se escapa lentamente. La conciencia de que este pez pronto se asfixiará y morirá hace que el espectador se sienta incómodo. Para mí, esta obra es una metáfora de la condición humana en las megaciudades cuyos recursos se agotarán pronto. Nuestra actitud descuidada hacia el medio ambiente persiste en muchos países del mundo. Si no tapamos todos los agujeros para evitar que el agua se filtre, seremos todos peces en una bolsa, muriendo lentamente".

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// Ficha no fungible (NFT).

En marzo, una subasta de una obra de arte digital del artista estadounidense Beeple en la casa de subastas Christie's alcanzó los 69 millones de dólares. La venta situó a Beeple entre los tres artistas vivos más valiosos, por detrás de Jeff Koons y David Hockney. La obra de arte se emitió con un certificado digital de autenticidad, un "token no fungible" (NFT) que puede ser autentificado, certificado e identificado con absoluta seguridad de manipulación utilizando la cadena de bloques. Los NFT son criptomonedas únicas y un subconjunto del arte digital. La tecnología Blockchain se asocia así al arte más allá del mundo de las finanzas y garantiza una mayor transparencia y democratización del mercado del arte. Su valor está actualmente determinado por la enorme demanda. El visionario Wiyu Wahono ya compró obras de criptografía hace unos meses.

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Autor: Dr. Annette Doms

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